acetonemagazine.org
Nuove ricette

La Vie En Raw Cafe: Non è tutto rose e fiori a La Vie En Raw

La Vie En Raw Cafe: Non è tutto rose e fiori a La Vie En Raw



We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


A metà strada tra la Florida International University e il centro di Miami, in un anonimo centro commerciale, si trova La Vie en Raw Cafe. L'ambiente è intimo e artistico, con pochi tavolini (la capienza del ristorante non può essere superiore a 20), le pareti decorate con opere di artisti locali. La piccola cucina è aperta e puoi vedere il tuo cibo mentre viene preparato.

Sono arrivato alle 9:30 di venerdì sera con un amico, aspettandomi che i posti affollati descritti al telefono occupino l'intera stanza. Il ristorante era pieno per le sue dimensioni, ma una cameriera non è arrivata per altri dieci minuti dopo che ci siamo seduti. Abbiamo ordinato una limonata (succo di limone appena spremuto, nettare di agave e acqua filtrata; $ 3) e tè alla menta freddo ($ 2) e ci è stato detto solo dopo aver ricevuto le nostre bevande (altri dieci minuti), che il ristorante era completamente senza ghiaccio. La limonata calda è una scelta spiacevole e vorrei che fossimo stati informati prima.

I funghi ripieni ("funghi marinati ripieni con il nostro formaggio cremoso di anacardi guarniti con pesto"; $ 7) sono stati ordinati per un antipasto ed erano una gustosa introduzione alla cucina cruda. I funghi erano carnosi e gustosi mentre il formaggio di anacardi ricordava la ricotta, per quanto riguarda la consistenza. Il pesto era all'aglio e ben bilanciato con il resto dei funghi di dimensioni ridotte e il formaggio di anacardi.

Ho anche ordinato la zuppa cruda del giorno ($ 4, tazza), che era una purea di avocado, sedano, olio d'oliva e altri aromi assortiti. Una prima impressione della zuppa è stata che fosse cremosa e leggera, con il sapore del sedano che aggiungeva un tocco di verde al tutto. Tuttavia, il piatto era piuttosto piatto e noioso mentre continuavo a mangiarlo. Ho davvero assaggiato solo l'avocado, il sedano e l'olio d'oliva ed è diventato pesante e quasi dolce mentre continuavo a mangiarlo. Un po' di calore dell'olio del Cile o dell'aglio avrebbe potuto servire molto bene il piatto.

Il mio antipasto era una storia diversa, che offriva una profondità e una scoperta sorprendenti. La pizza cruda di Pisa ("servita sul nostro pane fatto in casa con semi di lino e semi di girasole e cipolla, a strati con formaggio di noci, marinara, funghi, pomodori, spinaci"; $ 8) ha fornito varietà nella consistenza e nel sapore. Nonostante le piccole dimensioni della pizza, il pane al lino era denso ma croccante con pezzetti di semi di lino e semi di girasole. La cipolla ha anche aggiunto un po' di dolcezza. Il formaggio alle noci ha fatto un'altra apparizione spettacolare, sostituendo la mozzerella a volte gommosa (e totalmente non vegana) che si trova in alcune mostruosità della pizzeria. La marinara era un po' dimenticabile, ma l'aggiunta di pomodori, funghi e spinaci appena tagliati ha aggiunto dolcezza, terrosità e vivacità al piatto.

La Vie en Raw ha un servizio potenziale ma imprevedibile e una zuppa molto piatta che porta via quella che dovrebbe essere un'esperienza più illuminante ed eccitante per chi è familiare ed estraneo alla cucina cruda allo stesso modo.


La vie en rose (film)

la vie en rose (letteralmente La vita in rosa, Pronuncia francese: ​ [la vi ɑ̃ ʁoz] [nota 1] Francese: La Mome) [nota 2] è un film musicale biografico del 2007 sulla vita della cantante francese Édith Piaf. Il film è stato co-scritto e diretto da Olivier Dahan e vede Marion Cotillard nel ruolo di Piaf. Il titolo del Regno Unito e degli Stati Uniti la vie en rose viene dalla canzone caratteristica di Piaf. Il film è una coproduzione internazionale tra Francia, Repubblica Ceca e Regno Unito.

  • 8 febbraio 2007 ( 2007-02-08 ) (Berlino)
  • 14 febbraio 2007 ( 2007-02-14 ) (Francia)
  • 14 giugno 2007 ( 2007-06-14 ) (Repubblica Ceca)
  • 22 giugno 2007 ( 2007-06-22 ) (Regno Unito)

La performance di Cotillard ha ricevuto il plauso della critica e le è valso diversi riconoscimenti tra cui l'Oscar per la migliore attrice - che segna la prima volta che un Oscar è stato assegnato per un ruolo in lingua francese - il BAFTA Award per la migliore attrice in un ruolo principale, il Golden Globe Award per Miglior attrice in un film commedia o musicale e il premio César per la migliore attrice in un ruolo principale. Il film ha anche vinto l'Academy Award per il miglior trucco, il BAFTA Award per il miglior trucco, costumi, musica da film, altri quattro César Awards e ha incassato $ 86,3 milioni in tutto il mondo.


1. Salatim a Saba

Il ristorante israeliano Saba, aperto di recente da Alon Shaya, ha molto da amare: pita cucinata su ordinazione, piatti di hummus follemente decadenti e salatim. Che cos'è, chiedi? È l'opportunità di provare diversi piccoli piatti che sono enormi per sapore e freschezza: tre per $ 21 o cinque per $ 35. Sebbene la selezione cambi stagionalmente, i pilastri come olive marinate all'harissa, labneh, verdure in salamoia, uva rossa con cipolle sottaceto e pinoli e tabbouleh saranno sempre consegnati. Sono tutte salse e piatti freddi, quindi scendono magnificamente al caldo.


Album compilation Buddha Bar

Il Album compilation Buddha Bar sono una serie di album di compilation ampiamente acclamati emessi dal bar, ristorante e hotel in franchising Buddha Bar creato dal ristoratore Raymond Visan e dal DJ e designer d'interni Claude Challe [1] a Parigi, Francia. Dopo la sua istituzione, il Buddha Bar "è diventato un punto di riferimento tra gli yuppies stranieri e i turisti facoltosi che visitano la città", [1] e "ha generato numerosi imitatori", [2] diventando popolare in parte grazie alla scelta del DJ di stili eclettici, avant- musica d'avanguardia. E 'diventato noto a livello internazionale per l'emissione di popolari compilation di lounge, musica chill-out e world music, anche sotto il marchio Buddha Bar, pubblicato da George V Records. Buddha Bar ha iniziato a pubblicare compilation nel 1999 e da allora "si è fatto un nome con i suoi CD di musica lounge Zen e rimane un successo, soprattutto tra i turisti". [3]

Nel 2001, a Rivista del tabellone per le affissioni il critico ha inserito la compilation nella sua "top ten" degli eventi musicali dell'anno, affermando del proprietario Claude Challe che "[l]e leggendario maestro della musica pop e dance in Francia ha suscitato l'attenzione della comunità chill-out globale con questa serie di compilation miste", e concludendo che "Buddha Bar non è solo un buon ristorante in Francia, ma anche uno dei migliori esperimenti musicali usciti dalla Francia negli ultimi anni". [4] Su una nota più critica, il Oxford Handbook of Music Revival descrive la musica della collezione Buddha Bar come "vicina a miscele simili a muzak senza componenti originali riconoscibili né nuove strutture chiaramente identificabili". [5] Un altro commentatore ha scritto:

Challe ha lasciato la sua collaborazione nel 1993 ed è tornato a Parigi, dove ha successivamente aperto il Buddha Bar, acclamato a livello internazionale. . Analogamente al Café del Mar, anche il Buddha Bar ha pubblicato compilation di CD con musica "lounge", "world", un'impresa di successo che suggerisce le sorprendenti disuguaglianze associate alla mercificazione dell'arte del Terzo Mondo: mentre le cassette della cantante pakistana Nusrat Ali Khan sono venduti in India per circa US $ 1, le stesse canzoni remixate all'interno di un CD di Buddha Bar deluxe hanno un prezzo in Occidente di circa US $ 50. [1]

Challe ha compilato e prodotto i primi due album di Buddha Bar. La serie da allora in poi è continuata con diversi DJ, tra cui DJ Ravin, Sam Popat e David Visan (figlio del fondatore del Buddha Bar Raymond Visan). [6] Il Buddha Bar ha anche pubblicato alcune musiche originali per i suoi album, in particolare le canzoni "Buddha Bar Nature" e "Buddha-Bar Ocean", composte e prodotte da Arno Elias, il compositore di "Amor Amor" da Buddha Bar 2 e Amanaska. Questa versione includeva un DVD di filmati sulla natura e sull'oceano diretto da Allain Bougrain-Dubourg.


Romanticismo commerciale e duraturo

Louis Armstrong ha fatto di "La Vie en Rose" una delle sue canzoni d'autore. L'hanno registrata artisti disparati come Grace Jones, Josephine Baker, Bing Crosby, Iggy Pop, Donna Summer e Andrea Bocelli. Testi come "Quando mi stringi al tuo cuore / Sono in un mondo a parte / Un mondo dove sbocciano le rose / E quando parli, gli angeli cantano dall'alto / Le parole di tutti i giorni sembrano trasformarsi in canzoni d'amore / Dai il tuo cuore e la tua anima per me / E la vita sarà sempre la vie en rose" ha parlato non solo a Parigi dilaniata dalla guerra, ma anche ai sopravvissuti e alle persone di tutto il mondo che hanno abbracciato la nozione romantica dell'amore. (vedi riferimento 4)


Eartha Kitt

Per sei decenni, l'artista americana Eartha Kitt, morta all'età di 81 anni di cancro al colon, è stata una forza della natura dello spettacolo. Iniziando come ballerina, è stata presto a suo agio sul palco e in studio di registrazione e, mentre il suo mezzo naturale è rimasto il cabaret, è apparsa anche nei film e in televisione. La sua presenza sensuale e felina era abbastanza straordinaria: il suo impatto è stato intensificato dal suo essere una donna afroamericana schietta che apre nuovi orizzonti.

I suoi dettagli di nascita ufficiali sono stati stabiliti solo nel 1997, quando ha sfidato un gruppo di studenti a trovare il certificato che la registrasse come nata Eartha Mae Keith nella città di North, South Carolina. Il nome che aveva per suo padre era William Kitt. Era un mezzadro bianco che abbandonò la madre di Eartha. La giovane donna nera Cherokee indigente persuase i vicini neri a ospitare Eartha e la sua sorellastra minore Perla. Perla aveva la pelle scura e carina, ma Eartha aveva folti capelli rossi, che in seguito tingeva, e la pelle più chiara era soprannominata "quella ragazza gialla".

Alla fine, sua zia, Mamie Lue Riley, la mandò a chiamare quando aveva otto anni e le diede una casa nella parte portoricana-italiana di Manhattan. La loro relazione era difficile, ma Mamie pagò le lezioni di piano per Eartha, oltre a accumulare risparmi di cui seppe solo più tardi. Eartha arrivò a credere di essere davvero la sua madre biologica.

Nel sud, Eartha aveva già impressionato la congregazione della chiesa locale con il suo canto. A scuola a New York ha guadagnato rispetto e popolarità con il suo talento per la lettura ad alta voce, ed è stata abbastanza fortunata da avere insegnanti che erano sinceramente interessati a lei. Andava bene anche ai balli caraibici locali, dove raccolse routine che le avrebbero fatto bene, non solo come intrattenitrice professionista, ma anche per divertire i suoi compagni di lavoro quando accettava lavori in fabbrica.

Subito dopo il suo 16° compleanno, fece un'audizione, più o meno per caso, per la Katherine Dunham Dance Troupe, il cui stile era basato sul folklore afro-caraibica. Ha vinto una borsa di studio per studiare balletto e la tecnica di Dunham e la sua prima apparizione a Broadway è stata ballare in Blue Holiday con Ethel Waters e Avon Long. Dunham disse a "Kitty" che non sarebbe mai diventata una vera ballerina perché i suoi seni erano troppo grandi, ma la scelse per la compagnia che girava sempre più negli Stati Uniti, in Messico, in Sud America e in Europa, Kitt assunse ruoli da solista, cantando e ballando, e ha fatto il suo debutto cinematografico, non accreditato, in Casbah (1948).

Quando la compagnia Dunham era a Parigi, a Kitt fu offerto il suo primo impegno in un night club da Carroll, la cui formidabile proprietaria lesbica Fred disse alle cameriere: "Questo non deve essere toccato". Kitt in seguito affermò di non avere nulla di cui parlare in quel momento, sebbene fosse stata al club e avesse visto lo spettacolo di Juliette Gréco. Eppure è diventata presto una sensazione, e quando Carroll ha aperto un nuovo club, Le Perroquet, Kitt è stata l'attrazione principale, con canzoni in inglese, spagnolo e francese che ha preparato con l'aiuto del leader cubano. Cantando C'est Si Bon per la prima volta, ha dimenticato le parole e ha improvvisato, con un tale successo che ha ripetuto la sua lista inventata di cose desiderabili, "cappotto di visone, grande macchina Cadillac" e così via, per sempre.

Tra i due impegni del club, Kitt è stato scelto da Orson Welles come Elena di Troia nella sua versione teatrale della storia di Faust, Time Runs (1951), condividendo ciò che le luci della ribalta potrebbero essere strappate allo stesso Welles con Micheál MacLiammóir e Hilton Edwards. Se Welles la considerava "la donna più eccitante del mondo", rifletté Kitt in seguito, era perché non andavano mai a letto insieme. Lui mangiava, lei guardava lui parlava, lei ascoltava. È sempre stata un'ammiratrice di grandi uomini e ha fatto di tutto per incontrare Albert Einstein e Jawaharlal Nehru.

Dopo Le Perroquet, il prossimo impegno in discoteca di Kitt fu al cosmopolita Karavansari di Istanbul. Lì ha imparato a orecchio una serie di canzoni turche, tra cui Usku Dara, che in seguito ha registrato come primo singolo per la RCA Victor. Quando ha aperto a La Vie En Rose a New York, ha affermato di cantare in sette lingue. Nonostante una campagna pubblicitaria di annunci sui giornali, che recitava "Impara a dire 'Eartha Kitt'", non fu un successo e il suo contratto di due settimane fu rescisso dopo sei giorni. Qualunque cosa sia andata storta, la perdita di La Vie En Rose è stata un guadagno per il Village Vanguard, e un breve impegno al suo club gemello, The Blue Angel, è stato esteso a 25 settimane. È stata notata dal produttore di una rivista musicale di lunga data. Per New Faces del 1952, cantò Monotonous mentre strisciava come un gatto da una chaise-longue all'altra. Da allora in poi, Kitt ha trovato difficile fare a meno di almeno uno di questi mobili, e per una Royal Variety Performance negli anni '60, è apparsa su di esso attraverso la botola del palco. Kitt divenne la star indiscussa di New Faces, e una versione cinematografica seguì nel 1954. Alla fine di quell'anno recitò in Mrs Patterson, il suo primo grande successo a Broadway, e si innamorò di Arthur Loew Jr, erede di una catena di cinema. I sentimenti erano reciproci, ma la relazione non arrivò mai a nulla perché sua madre si oppose.

A Londra, Kitt era apparsa brevemente da Churchill's nei primi anni '50, ma arrivò davvero con il suo numero al Café de Paris, indossando un abito di raso di seta color acquamarina disegnato da Pierre Balmain. Lord Snowdon l'ha fotografata.

Gli anni '50 furono il decennio d'oro dei successi discografici di Kitt. Dopo Usku Dara è arrivato Monotonous, I Want To Be Evil e Santa Baby, tra gli altri, che hanno stabilito l'immagine di un gattino del sesso canzonatorio e autoironico. Registrò Just an Old Fashioned Girl, la canzone che divenne la sua sigla in Gran Bretagna, nel 1955, ma Thursday's Child e The Day That the Circus Left Town, registrati poco dopo, dissero di più su di lei.

Ci sono stati molti tentativi di descrivere la voce straordinaria di Kitt. Kenneth Tynan ha sbagliato quando ha parlato del suo vibrato, perché lei lo usava a malapena. Sebbene coltivasse un tremito per ottenere effetti speciali, il suo tono era straordinariamente pulito e lo piegava, molto spesso acuto, con lenta deliberazione. Ha detto di aver capito tutto ciò che la sua voce poteva e non poteva fare. Suonava un grintoso registro di petto contro un tubare falsetto, e mentre ne assaporava il suono, sperimentava distorsioni verbali.

Lo stile distintivo di Kitt le ha reso difficile lo sviluppo della sua carriera e la diversificazione. Se non era se stessa al 100%, ti sentivi tradita. Eppure non ha mai smesso di provarci. I suoi film includevano Mark of the Hawk (1957), St Louis Blues (con Nat King Cole, 1958), Anna Lucasta (con Sammy Davis Jr, 1959) e Saint of Devil's Island (1961), Synanon (1965) e Dragonard (con Oliver Reed, 1987). Oltre a molte apparizioni di celebrità in televisione, ha trovato un ruolo su misura: Catwoman in Batman (1967-68). Ha preso altre parti a Broadway, in Shinbone Alley (1957) e Timbuktu (1978), un musical tutto nero basato sullo spettacolo di successo Kismet. A Londra ha interpretato la signora Gracedew in The High Bid di Henry James (1970) e il ruolo principale in Bunny (1972).

Nel 1988 la sua apparizione in Sondheim's Follies allo Shaftesbury Theatre di Londra - trascorse la maggior parte del tempo in posa elegantemente in un lungo cappotto di visone fino a quando non interruppe lo spettacolo con I'm Still Here - portò l'anno successivo al suo primo spettacolo personale, Eartha Kitt in concerto. Andando in giro con tre toyboy, era piuttosto agile come sempre, e anche più sopra le righe. A Manchester, ha persino provato il panto, come il genio della lampada in Aladino.

Sempre nel 1989 è uscita la sua autobiografia, I'm Still Here: Confessions of a Sex Kitten. Racconta e aggiorna le sue prime memorie, il cui primo volume, Thursday's Child, è stato pubblicato nel 1956, un secondo, Alone With Me, seguito 20 anni dopo. I'm Still Here finisce con la lotta di Kitt per venire a patti con il matrimonio della sua unica figlia, Kitt, di cui era ferocemente possessiva. Il suo matrimonio con il padre di Kitt, Bill McDonald, nel 1960, era durato solo cinque anni.

Kitt non ha nascosto il fatto che la cosa di cui aveva più bisogno, dopo l'amore di sua figlia, era l'applauso di un pubblico: una volta l'ho vista dare tutto quello che aveva a quella che era praticamente una casa vuota, al New Theatre, Oxford , una matinée infrasettimanale.

Sembrava quasi aver perso il suo pubblico americano dopo aver sconvolto Lady Bird Johnson parlando della guerra del Vietnam a un pranzo del 1968 alla Casa Bianca. La CIA la descrisse come "una ninfomane sadica". La perdita temporanea dell'America fu il guadagno della Gran Bretagna, con Kitt in tournée nei club di varietà nel nord dell'Inghilterra. All'estremo opposto culturale, ha fatto due straordinarie apparizioni a Londra con Richard Rodney Bennett, come pianista e arrangiatore, e il Nash Ensemble, cantando canzoni di Kurt Weill, Cole Porter e altri standard americani.

I tentativi occasionali di Kitt di stare al passo con i tempi - si è persino tuffata nel disco funk - hanno avuto un successo qualificato. Nel 1984 è tornata in classifica con Where Is My Man e I Love Men. Non aveva bisogno di aggiornarsi, e una registrazione dal vivo di un concerto che tenne con musicisti jazz a Wuppertal, in Germania, nel 1992 mostra che era meglio dare un formato stretto - mai meglio che negli arrangiamenti immacolati di Henri René e della sua orchestra Nei primi giorni. Un album chiamato I'm Still Here è uscito lo stesso anno del libro e, nel 1993, Rollercoaster ha pubblicato una compilation di cinque dischi che rappresenta tutto il suo repertorio fino ad oggi. Il suo album Back in Business (1995) ha fatto un'offerta per l'universale vestendo i vecchi preferiti di Porter, Rodgers e Hart, Duke Ellington e Weill, per non parlare di Moon River di Henry Mancini, in sontuosi arrangiamenti jazz altamente prodotti. Uno dei più diretti è il classico della depressione degli anni '30, Brother, Can You Spare a Dime? Con la sfida che non l'ha mai abbandonata, Kitt suona sincera con rabbia cruda.

Nel 2000 ha prestato la voce a Yzma per l'animazione Disney The Emperor's New Groove, ed è stata imperterrita dalla diagnosi del suo cancro nel 2006. Il Guardian l'ha trovata una "attrice incredibilmente vivace" allo Shaw Theatre di Londra, nel 2007, dove ha detto al suo pubblico: "Potrei avere 80 anni, ma sto ancora bruciando", e la sua esibizione al festival jazz di Cheltenham lo scorso aprile è stata registrata su DVD. La sua ultima esibizione in concerto è arrivata in ottobre, con la Virginia Symphony Orchestra, dopo di che ha contribuito a uno speciale televisivo che sarà trasmesso sulla rete americana PBS a febbraio.

Lascia la figlia e i nipoti.

Eartha Mae Kitt, cantante e intrattenitrice, nata il 17 gennaio 1927 morta il 25 dicembre 2008


5. Violazione dei dati e te

Sebbene abbiamo numerosi segni che l'autore dell'attacco ha avuto accesso a informazioni non generalmente visibili dal contesto di un utente normale, non siamo stati in grado di confermare un host completo compromesso o una violazione del database aggiornato. Intendiamo continuare a tenere d'occhio entrambi e miriamo ad aggiornare man mano che indaghiamo e scopriamo ulteriormente. Andando avanti, tuttavia, è nell'interesse sia dei nostri utenti che di noi stessi che considereremo il database violato.

Come utente, ti incoraggeremo a presumere che i tuoi dati siano stati violati e a prendere immediatamente precauzioni, come cambiare le password di qualsiasi account che potrebbe condividere la stessa password del tuo account MangaDex. Come pratica di sicurezza generalmente buona, i gestori di password sono altamente raccomandati per mantenere sicura la tua identità online.


Viva 'La Vie Bohème'!: Una storia orale del Affitto Atto 1 finale

Alziamo il bicchiere, puoi scommetterci il culo, a La Vie Bohème.

Con questo brindisi immortale, Mark Cohen dà il via al finale dell'Atto 1 di Affitto, il gioioso, travolgente tributo alla vita bohémien che è uno dei più sbalorditivi assortimenti di testi di bacio e elenco di riferimenti culturali mai messi in musica.

Fin dalle prime letture del musical vincitore del Premio Pulitzer, “La Vie Bohème” faceva parte del celebrativo più vicino all'atto (e una vigilia di Natale molto ricca di eventi). Si è evoluto quando Jonathan Larson ha creato lo spettacolo da allestimenti di sviluppo a Off Broadway a Broadway, ma la canzone è sempre rimasta una parte essenziale del tessuto di Affitto. Oggi è diventato un inno iconico per i ragazzi del teatro e per chiunque sia al di fuori del mainstream.

In onore di Affitto’s 24° anniversario, abbiamo chiamato gran parte del cast originale e del team di produzione per scoprire come questa inno all'essere noi per una volta sia entrata negli annali della storia del teatro musicale.

Seguendo la struttura dell'opera originale,La Bohème,Affitto chiude il suo secondo atto con “La Vie Bohème.” Quando il team di produzione e il cast sono stati assemblati, la canzone ha avuto un impatto notevole con la sua vertiginosa lista di riferimenti culturali, linguaggio crudo e testi scioglilingua.

MICHAEL GREIF (Regista): La prima volta che ho ascoltato le canzoni dello spettacolo è stato su un aereo, ed ero molto agitato da un sacco di materiale.

BILLY ARONSON (Co-creatore e drammaturgo): [Nel La Bohème, Rudolfo] esce nel secondo atto per incontrare tutti i suoi amici la vigilia di Natale. Quindi quella scena era nella commedia. Ho dato a [Jonathan Larson] uno schema in cui erano tutti al tavolo, tutti insieme, tutti insieme, ma quella era una sua idea quella di avere quella canzone lì.

TIM WEIL (Supervisore musicale): Jonathan ha stampato la partitura originale in un software di notazione musicale, e ricordo di aver guardato seriamente quei testi cercando di farli uscire in modo da poterli capire. Una volta che ho capito quali fossero tutte quelle parole, ho pensato: “Questa è una delle canzoni più incredibili che abbia mai visto in vita mia.”

ARONSON: Dall'inizio della nostra collaborazione, Jonathan ha pensato Affitto sarebbe "our generazione&aposs Capelli.” E mi sembra che la canzone "La Vie Bohème" sia ispirata in parte da Capelli, quasi a rendergli omaggio. In particolare, la canzone di Claude & aposs “Manchester England, England,” dove inizia a buttare giù tutti quei nomi.

ANTHONY RAPP (Mark Cohen): Nell'autunno di &apos94, quando ho fatto quella che chiamiamo produzione in studio, il primo giorno di prove sono tornato a casa e avevo le cassette dei demo che Jonathan Larson aveva fatto. “La Vie Bohème” era uno di quelli. Sono stato completamente stordito immediatamente.

MARLIES YEARBY (Coreografa): La celebrazione è stata la prima cosa che ho sentito quando ho sentito per la prima volta “La Vie Bohème.” Ho sentito una vera celebrazione della vita, dell'individualità, di chi sei.

RAPP: Sentire per la prima volta "froci, lesbiche, lesbiche, anche travestiti Per le persone che vivono con, vivono con, vivono con, non muoiono di malattia, è stato davvero come un lampo di energia che esce dal mio piccolo stereo che colpisce me. È stato davvero emozionante entrare a far parte di uno spettacolo che lo stava diffondendo nel mondo in un momento in cui le persone non dichiaravano queste cose in modo così audace e gioioso. Adoro il riabbraccio di quelle parole che vengono usate come epiteti.

DAPHNE RUBIN-VEGA (Mimi Marquez): Quelle erano cose che non dicevamo, in particolare, e poi all'improvviso, sbattiamo le palpebre e [lo] diciamo a Broadway.

ADAM PASCAL (Roger Davis): Il mio primo pensiero è stato, “ come memorizzeremo tutti questi testi?” E poi il mio secondo pensiero è stato, “I non so cosa significano metà di queste cose.”

GREIF: Una delle prime cose che ho fatto quando ho avuto modo di guardare davvero i testi è stata una piccola ricerca su tutte le persone che sono state nominate come ispirazioni nella canzone.

WILSON JERMAINE HEREDIA (Angel Dumott Schunard): Ero un ragazzo del club in quel periodo, quindi avevo familiarità con molti riferimenti nella canzone, ma ho pensato che qui c'è una canzone che si rivolge a me al 100% e mi sento inclusa.

RUBIN-VEGA: In realtà conoscevo molti riferimenti. Stava parlando con una parte multiculturale di me. [I club e simili] erano luoghi reali nella storia di cui avevo una conoscenza esperienziale. Ecco perché sono stato assunto. Non sono stato assunto perché ero il migliore. Sono stato assunto perché sapevo esattamente di cosa stavano parlando.

RAPP: Li conoscevo quasi tutti. Ricordo che 8BC era uno che dovevo scoprire da solo. C'era un intero pacchetto che è stato messo insieme dal nostro drammaturgo e da Michael Greif e Jonathan.

WEIL: In realtà abbiamo fatto un grande glossario, come un volantino, su chi fossero tutte queste persone, cosa sono tutte queste cose, [perché] contano, e l'unica persona o cosa che conoscevo era la parola "entropia".

FREDI WALKER-BROWNE (Joanne Jefferson): Jonathan ci ha dato i riferimenti. Ha scritto tutto. Era incredibile. Aveva un intero retroscena Bibbia per noi. Ce l'ho ancora da qualche parte. Erano i retroscena di tutti i personaggi, tutti i riferimenti in “La Vie Bohème.”

RAPP: Ricordo che, durante il processo di prova, mentre stavo facendo gli attrezzi per New York, ero sui binari della metropolitana e stavo solo leggendo i testi mentre stavo aspettando il treno.

Originariamente, “La Vie Bohème” era ancora più lungo di quanto lo sia ora, e il secondo atto si è concluso su “I Should Tell You."

GREIF: “I Should Tell You” era il finale di Act One, quando ho guardato per la prima volta la sceneggiatura.

WEIL: L'evoluzione è stata fondamentalmente che hanno fatto “La Vie Bohème” e poi hanno fatto “I Should Tell You,” e poi c'è stata una piccola narrazione di Mark, una specie di epilogo.

GREIF: [Abbiamo] riconosciuto che dovevamo inserire “I Should Tell You” all'interno di “La Vie Bohème”, quindi l'atto finisce davvero con quel tipo di gioia. 

WEIL: Jonathan andò, “Let&aposs mettere i primi tre quarti di ‘La Vie Bohème’ prima e piegare in ‘I Should Tell You.’” “I Should Tell You” era in realtà sostanzialmente più lungo c'era una strofa in più, il ritornello era lungo il doppio. Parte del mio lavoro era farlo sembrare qualcosa che fosse un interludio in un pacchetto molto più grande, ma pur sempre una canzone a sé stante. Ora è un pezzo unico, al contrario di una canzone davvero fantastica e poi una ballata d'amore e poi un epilogo.

GREIF: C'erano molti, molti altri versi che posso anche ricordare.

WEIL: C'è un secondo verso extra perduto di cui sono in possesso. Quando eravamo in Cina, a causa della censura, abbiamo dovuto eliminare alcuni dei testi di “La Vie Bohème”, e in realtà li ho sostituiti con alcuni dei testi del verso che era stato tagliato. Non erano così grafici o espliciti.

GREIF: [Tagliarlo] è stata una meravigliosa combinazione di cui una di quelle ispirazioni ha significato di più per Jonathan e far capire a Jonathan in molti modi che meno potrebbe essere di più.

WEIL: C'era un riferimento ai Nirvana.

RAPP: Ricordo che Cannabis Citiva era una delle cose sulla lista, Baudrillard, Derrida, Bertolt Brecht. Era solo un altro elenco di cose.

Il cast si riunisce attorno a una lunga fila di tavoli di metallo e, guidati da Mark, iniziano a rendere omaggio a "Vie Bohème” nel deliberato tentativo di offendere Benny e gli investitori che mangiano lì. Mentre Mark inizia a cantare e ballare, gli altri lo seguono.

GREIF: Il concetto era molto l'Ultima Cena. Poiché è una finta veglia per la morte di La Vie Bohème, sembrava che potesse essere appropriato. La nostra meravigliosa coreografa Marlies Yearby ha trovato una vera gioia proprio nella natura di presentazione di quella prima immagine.

RUBIN-VEGA: Questo è così il marchio di Michael, che costruisce da questo tipo di luogo in metallo o industriale. Si trattava di mobili, si trattava di noi e questo è stato molto liberatorio.

WALKER-MARRONE: È tanto l'esposizione quanto qualsiasi altra cosa. Ci sono così tante cose nella storia che viene rivelata attraverso quella canzone.

GREIF: Gran parte della messa in scena iniziale riguardava la creazione di punti a beneficio di Benny. C'era un po' di pericolo e un po' di coraggio coinvolti fino a quando non è stato sconfitto, e poi, c'è solo una celebrazione della sua sconfitta.

ANNO: La danza gestuale nella parte superiore della canzone che ho chiamato "The Dis Dance". È ispirata al lavoro dell'artista di graffiti Jean Basquiat e al movimento Dada. È qualcosa che fanno tutti. Tutti lo sanno un po' come il trambusto. La prima cosa è comunicare che faremo il ballo con Benny.

WALKER-MARRONE: Sembra organico e spontaneo, ma è così strutturato ed è stato così deliberato.

ANNO: Se guardi i movimenti della spalla in alto, vedresti che [Idina Menzel, che interpretava Maureen Johnson] non lo fa mai correttamente, ma per me è fantastico. Non ho mai cercato di renderla corretta al 100% perché aveva un modo organico di essere semplicemente se stessa. Sembrava così completamente reale. Non volevo la perfezione.

GREIF: È stata davvero la migliore opportunità per Anthony di divertirsi quando trascorre così tanto del tempo musicale preoccupandosi, preoccupandosi e prendendosi cura di tutti. Era la sua opportunità per lasciarsi andare e mettersi in mostra un po'. Gran parte di quella messa in scena è scaturita dalla sua immaginazione davvero meravigliosa e vivida.

RAPP: Ricordo di essermi alzato sul tavolo, e poi stavo solo facendo la mia strana cosa spastica. Mi sono rivolto a Marlies e le ho detto, 𠇌i mi aiuti qui?” E lei è tipo, “No, tu lo fai.” Questo mi ha dato potere. Se vuoi che io sia uno spaz, sarò uno spaz.

ANNO: Non volevo il corpo danzante perfetto. La stranezza di Anthony e il suo rapporto con il ritmo erano molto fuori dal comune, naturalmente. A causa di come vive nel suo corpo, c'è questa piccola cosa a scatti, spigolosa e nervosa che fa quando canta. Ho capitalizzato su questo e ho portato la coreografia in quel posto. Ho incoraggiato il suo modo naturale e insolito di muoversi e fino ad oggi amo come il suo modo di muoversi ha informato il personaggio di Mark.

PASCAL: Le cose che facciamo tutti in sincronia prima di alzarci sul tavolo, con le spalle e le punte, tutte quelle cose sono state tutte coreografate da Marlies. Ma una volta che siamo stati tutti sui tavoli, è stato tutto un po' come un freestyle.

ANNO: Ballare sul tavolo è scontato. È una ribellione. Ballare sul tavolo in un café spinge decisamente i confini del molto conservatore. Non sei conservatore se salti sul tavolo e balli.

RAPP: Man mano che si evolveva, ha iniziato a scolpire e modellare i picchi e le valli, come quando le persone erano alte o basse, ma gran parte di essa doveva essere la nostra espressione fisica di come ci muoviamo con la musica.

EREDIA: Non ti ha imposto un movimento. Direbbe: "Come ti fa sentire questo? Dimmi cosa ti fa fare questo suono.” Ok, dobbiamo andare da qui, dal palco a destra al centro del palco, come e forse passerà di là?


Henry Anslinger e il Federal Bureau of Narcotics

In 1939, after singing her song “Strange Fruit,” Holiday received a warning from the Federal Bureau of Narcotics, a government agency which lasted from 1930 to 1968, to never sing the song again. Holiday refused and kept singing the song.

FBN commissioner Harry Anslinger believed Holiday to be the symbol of everything that America had to be afraid of.

“She had a heroin addiction because she𠆝 been chronically raped as a child and she was trying to deal with the grief and the pain of that,” Johann Hari, who wrote the book Chasing the Scream: The First and Last Days of the War on Drugs, told WNYC. 𠇊nd also, she was resisting white supremacy. And when she insisted on continuing on her right as an American citizen to sing &aposStrange Fruit,’ Anslinger resolves to destroy her.”

Anslinger was a widely known racist and made it his mission to take Holiday down for her drug and alcohol addiction and relentlessly pursued her all the way up until her death in 1959. 


The Deck at Island Gardens Arrow

Situated on the super-yacht marina on Watson Island about 15 minutes from South Beach, this spot is al fresco perfection. You've got views of Miami's downtown skyline far off, views of luxurious yachts up-close, and all is surrounded by azure water. It's basically the opening shot of every 2000s music video set in Miami. The brunch buffet is a family friendly standout. Its Mediterranean-influenced spread comes in at $65 per person, and offers multiple stations stocked with a variety of hot and cold plates. At the breakfast station you'll find made-to-order omelets and pancakes, and at the carving station hearty cuts of rib eye, roasted chicken, and salmon filets. The salads are fresh and creative, like roasted eggplant drizzled in tahini, sprinkled with pomegranate seeds, topped with tabouli, and mixed with marinated vegetables. The massive dessert display has dainty cupcakes, multi-layer cakes, pies, and brownies.


Guarda il video: AEIOU - La canzone delle vocali AEIOU - Canzoni per bambini - Baby cartoons - Baby music songs